Título: Zathura: A Space Adventure

Probable título en español: “Aventuras en el Espacio”

Director: Jon Favreau

Guión: David Koepp, John Kamps

Elenco: Jonah Bobo, Josh Hutcherson, Dax Shepard

Género: acción, aventura, familia, fantasía

Año: 2005

Éste es el problema: a veces hay películas enteras para las cuales no soy la audiencia dirigida. Pasa, mucho amor al cine venga o vaya. Comedias románticas en su mayoría me impacientan, aunque comedias animadas me hagan reír. Musicales son de dudoso éxito, pero siempre que haya un intento de horror la paso mejor. Debe ser el caso con Zathura, porque sin duda alguna demanda una suspensión de incredulidad que solamente prepubescentes indulgentes son capaces de acumular.

Básicamente, es Jumanji siglo XXI. Jonah Bobo (Around the Bend) y Josh Hutcherson (Little Manhattan) interpretan hermanos cuya relación es menos que sólida. El menor encuentra un juego que tiene consecuencias serias, entre las que se cuentan muchas experiencias cercanas a la muerte que eventualmente van a hacer que esa relación sea reparada por completo. Y también aparece el obligatorio extraño, con la cara de Dax Shepard en su mayor papel hasta la fecha, que los ayuda porque ya jugó el juego. Ven, Jumanji con navecitas.

Zathura es fantástica. Esto quiere decir, no tiene nada que ver con el más mínimo retazo de ciencia ficción respetable. Ni siquiera los clichés de ese género aparecen. Ahí es donde recae la suspensión de incredulidad que mencionaba: el fondo del espacio exterior podría haber sido reemplazado con cualquier cosa, desde una guerra en el Asia antigua hasta una aventura submarina. Uh, ya me veo la próxima película de este estilo. Aparentemente, el juego transporta a la casa de los hermanos, con ellos y una hermana adentro, justamente al espacio exterior. Qué parte, ni idea. Cómo, no sabemos. Por qué demonios no se mueren por falta de oxígeno instantáneamente, es un misterio que va a quedar sin resolver. Y que a menos que podamos acumular la bendita suspensión de incredulidad suficiente, nos va a atormentar a cada rato. Por el cerebelo, constantemente me taladraba la molesta pregunta “por qué tenían que hacerlo en el espacio?”. Hubiese podido llegar al nivel de Jumanji, lo cual no es tarea tan difícil, si fuera otro el escenario.

Dicen que hay pocas cosas peores que trabajar con niños y animales. Ni me quiero imaginar cachorros. Igualmente, como el trabajo de menores es técnicamente ilegal, no me siento políticamente correcto criticando la actuación del joven Josh Hutcherson. Es más, directamente lo ignoraría, si no se lo notara tanto al lado de Jonah Bobo, quien aunque tiene aun menor edad logra expresar alguna cosa que otra. Aparte de interminable molestia, cosa que a los chicos les sale completamente natural. Casi nunca digo esto, pero Josh, si estás leyendo y entendés castellano, hacéle caso a las propagandas del gobierno y tratá de conseguirte una buena educación. Es por tu bien, no nada más para ahorrarnos tus futuros proyectos, en absoluto. El resto del elenco brilla. Brillan como actores, porque han estado y estarán en películas de mayor calidad. Bobo resulta simpático sin ser insufrible, Shepard tiene potencial latente de comediante y un aire a Zach Braff que no se puede negar, y Kristen Stewart, interpretando a la hermana, tuvo ganas de rebajarse en su profesión y desperdiciar talento.

La tagline de Zathura promete “Una nueva aventura del mundo de Jumanji”. Lo cual no es particularmente cierto. Le hubiese dado la bienvenida a una secuela relativamente directa de Jumanji. Siempre me pareció que tenía una buena idea de fondo, con ese juego primitivo, que podía explorarse un poco más. Quién lo hizo, quién lo ha jugado, qué tan masivo puede ser su alcance. En cambio, lo que conseguimos con Zathura es básicamente la osamenta de Jumanji, con mucho menos drama y sentido. O sea, nada, porque Jumanji tenía lo mínimo necesario de ambos. Sin embargo, no todo está perdido. Siempre pasa que cada tanto el diálogo nos hace formar una sonrisa despreocupada con los labios, como cuando en Zathura se hace una apropiada referencia a Thirteen, y Bobo llama a su hermano “dick”, que vendría a ser como “imbécil”, pero menos educado. Por primera vez en mi vida me vi pensando en qué ejemplo sentaba la película para nuestra inocente e impresionable juventud. Así de aburrido estaba. Porque la acción se inicia cuando el personaje de Hutcherson manda a su hermano menor en un elevador de servicio hasta el sótano. Porque eso es completamente seguro. En este punto ni siquiera los amenaza un juego. Bien podrían esconderse adentro de la heladera, da lo mismo. Muy divertido, sin duda alguna, es ver durante toda la duración de la película, como van destruyendo la casa de a poco. Vamos, no finjan, saben que les gustan tanto como a mí. Mucho mejor que hacer estallar algo es demolerlo a golpes. Bueno, ésa es la idea. El mayor giro en la trama de Zathura es vergonzosamente predecible. Es más, si recuerdan Jumanji como yo, ni siquiera van a pensar que puede ser de otra manera. Es bastante deprimente. Que sea predecible, no el giro en sí. O sea, para resumir un poco, Zathura los va a satisfacer plenamente, si para probar la presencia o ausencia de gravedad, su primer instinto es escupir y ver si la saliva flota o sea cae. Me entienden?

Basada, como Jumanji, en un libro ilustrado de Chris Van Allsburg, Zathura posee el mismo esqueleto, hueso por hueso, aunque con todavía menos carne. Nada contra Van Allsburg, todos nos equivocamos. Lo bueno es que parecen haber mantenido los diseños gráficos de la novela original, y cosas como las naves espaciales de los alienígenas imprescindiblemente hostiles, y el obligatorio robot, tienen una apariencia retro que es bastante atractiva. Las veces que uno puede hacerse la cabeza que está viendo fantasía y no ciencia ficción, es todo muy bonito. Visualmente tiene su mérito. Aunque… bueno, no esperen nada de los mencionados alienígenas. Ojalá se hubiesen quedado en la nave, porque fueron mayor decepción. Hasta rezaba porque fueran un gran chiste en persona, como miniaturas feas fáciles de aplastar. Pero no, en cambio son un estereotipo torpe y poco convincente.

No se ofendan, no soy un fan de Jumanji a muerte ni nada por el estilo. Ah, y que quede claro, porque no todos sabemos quién es este bendito Van Allsburg: Zathura no es un plagio, están ambas películas basadas en obras del mismo autor. Es decir, se plagió a sí mismo. Algunos lo llaman “fórmula”, otros “pereza”, yo “a la segunda me aburro”. Y eso es lo que pasó. Jumanji me entretuvo, Zathura ni me distrajo. Háganse un favor y miren la anterior de vuelta, que va a ser una decepción menor.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

Próximamente:

Brothers of the Head 

Título: Ice Age: The Meltdown

Probable título en español: “Cubitos Derretidos”

Director: Carlos Saldanha

Guión: Peter Gaulke, Jim Hecht, Gerry Swallow

Elenco: Ray Romano, John Leguizamo, Denis Leary

Género: animación, aventura, comedia, familia

Año: 2006

Cuántas secuelas que tiene el mundo del cine, no? Ni hablar de los terremotos, los infartos, las escuelas… no, eso es nada más “secuelas” con las letras cambiadas de lugar. Un viejo mito dice que las secuelas tienen una tendencia a ser peores que el original en el cual se basan, con las excepciones agregadas de la Biblia y The Godfather. Bueno, hay muchas razones para que eso sea sólo un mito, y Ice Age: The Meltdown es una de ellas.

Todo el elenco de voz principal del original vuelve, con Ray Romano (Everybody Loves Raymond) a la cabeza como un mamut muy solitario y malhumorado. El personaje de John Leguizamo (AKA), un perezoso con actitud y aspiraciones, le hace compañía, quiéralo o no. Y el tigre con la voz de Denis Leary (The Secret Lives of Dentists) sigue por ahí con ellos, porque se hizo bueno. La cosa es que el hielo se empieza a derretir, y en vez de huir del frío y devolver a un bebé, esta vez tienen que escapar de una inminente inundación. Misma premisa, ligeramente distinto resultado.

Ahora tenemos la adición de un interés romántico para el mamut de Romano. Una simpática mamut, claro está, que se cree zarigüeya. La unión de estos dos no se siente demasiado forzada. Después de todo, Romano cree que es el último de su especie, así que literalmente no les queda nadie más en el planeta con quien estar. No se necesita un exceso de química para entender la atracción. Visualmente The Meltdown es mejor que su predecesora, cosa común entre proyectos de animación, pero realmente brilla en unas pocas escenas subacuáticas que siguen a unos villanos depredadores descongelados de otra época. Sacan un poco de la delgada trama, pero ganan en fascinación ocular. Varios personajes nuevos se suman a los ya conocidos, y todos son una grata sorpresa. Se destacan rápido los buitres proféticos que anuncian la inminente llegada de su comida, en forma de carroña protagonista.

Nuevamente, como en el original, es el más ignorado de los tres personajes que toman centro del escenario el que asombrosamente aporta más con su actuación vocal. Denis Leary como la voz del tigre dientes de sable reformado, tiene una entrega de líneas, las pocas que le dan, impecable. En esta ocasión, su trama personal involucra un miedo al agua bastante natural en los felinos, que le causa vergüenza, como poderoso depredador que es. Será un tigre bueno, pero sabemos que detrás de escenas sigue matando por sustento. Cuando el perezoso de John Leguizamo pretende enseñarle a nadar, es la comedia hecha perfección.

Hay varias referencias a la película anterior sembradas en The Meltdown, que van a deleitar a más de uno. No tanto a mí, que Ice Age me pareció buena pero nada especial, así que en realidad apenas noté estas referencias y las fui reconociendo muy tarde. Igualmente, lo mejor que Ice Age siempre tuvo para ofrecer, no involucraba a sus personajes principales, sino a una pequeña ardillita prehistórica en perpetua búsqueda de una preciada nuez. Regresa esta vez, para seguir haciéndole precioso tributo a las viejas caricaturas de la Warner Brothers. Sí, cada tanto la pobre ardillita parecía sufrir con semejante severidad, que me daba lástima, pero las creativas formas en que se las arreglaron los realizadores para alejarla constantemente de su nuez son una fuente interminable de risas. Pequeño paréntesis: si es suficiente para causarles gracia la idea de ver un mamut escondiéndose detrás de un arbolito, The Meltdown les va a gustar. Y van a ser como yo. Otros personajes que se agregan al elenco y son en exceso bienvenidos, son un par de zarigüeyas. Cada línea de estos bichos se merece al menos una sonrisa, sino una risotada capaz de generar denuncias policiales por ruidos molestos. Ignoren la forma extraña en que primero aparecen, porque vienen para quedarse y mejorar con cada escena. Un descubrimiento alarmante que hice mientras viendo The Meltdown es que un cachorro de cualquier animal, animado y con ojos grandotes, es adorable. No hay cómo evitar enternecerse por culpa de una imagen generada por computadora. Ahora entiendo a veces a la gente que siente cosas. Con razón están tan alterados todo el tiempo, es feo. La mayor mejoría entre la Ice Age original y The Meltdown, no es una adición, sino una ausencia. Ya no hay humanos mudos que nos aburran y nos saquen del mundo animal, confundiendo tanto el centro de la historia como la suspensión de la incredulidad mientras estamos viendo cuadrúpedos parlantes. No hay ningún ser humano a la vista, y eso me hizo muy feliz. Sólo entorpecían a la película anterior.

Sigue siendo imprescindible para elevar este proyecto la presencia de esa persistente ardillita y su nuez. Llega a opacar a la trama central con sus viñetas y no deja de crear nostalgia por el viejo Road Runner. Casi espera uno que saque algún aparato marca Acme para asegurar su posesión de la nuez, y termine fallando terriblemente. La mencionada trama central, obviamente no es gran cosa. En dos líneas se resume todo y no es nada creativo. Tan poco creativo de hecho, que no me pude sacar la idea de que era una gran alegoría bíblica a cada rato. Desde que el buitre comenta sobre un bote que puede salvarlos, pensé “arca”. Cada vez que los mamuts iban de lado a lado, pensaba “de Noé”. En un momento se parten las aguas, literalmente. Y la ardillita termina yendo al paraíso! Por ahí fue mi impresión nada más. El elenco todo ha en realidad mejorado desde Ice Age, y saben cómo hacer que los personajes les pertenezcan. The Meltdown terminó siendo uno de los films más taquilleros de todos los tiempos, llegando a recaudar casi 650 millones de dólares en todo el mundo, habiendo sido producido por sólo 75 millones. Las críticas no fueron generosas, pero en ésta estoy con el pueblo.

La animación de este tipo, tiene que hacer reír. Todas las otras consideraciones salen por la ventana, o al menos quedan relegadas a un segundo lugar. Con eso en mente, The Meltdown entrega lo que promete: una continua serie de bromas bastante bien entrelazadas y efectivas. El único detalle es que estoy seguro que ninguna de estas bromas sería ni la mitad de graciosa en una segunda visita a la película. Es por esta razón que no entra a la Filmoteca, pero todo lo anterior es argumento para que la vean. Aunque sea una vez.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente:

Zathura: A Space Adventure

Título: The Marine

Probable título en español: “Soldado”

Director: John Bonito

Guión: Michelle Gallagher, Alan B McElroy

Elenco: John Cena, Robert Patrick, Kelly Carlson

Género: acción, drama, thriller

Año: 2006

Quieren adrenalina? Quieren testosterona? Quieren explosiones? Quieren ver mujeres bonitas que aunque hacen nada más de pedazos de carne no se sacan la ropa y me confundieron? Quieren compensar por tener un pene pequeño? Entonces The Marine es para ustedes.

John Cena, el luchador profesional… sí, ya empezamos. Bueno, Este toro con dedos hace su debut actoral como el marine del título. Que es un marine. Porque lo repite mucho. La cosa es que no sigue una orden, es así de macho, y lo despiden. Entonces está muy triste por no poder seguir siendo marine, que es lo que es, porque lo repite mucho; y tiene que volver a casa donde lo espera su mujer, esposa trofeo y excitable por esteroides, interpretada por Kelly Carlson (Nip/Tuck). Qué depresión, no? Para alegrarlo, le propone irse de viaje, y en una estación de servicio se cruzan con un grupo de criminales tan estúpidos como estúpidos, que la terminan secuestrando; liderados por Robert Patrick (Cold Shoulder) haciendo lo mejor que puede y divirtiéndose como loco. Obviamente, ningún marine digno dejaría que se encarguen las autoridades. Listo, película instantánea.

Quiero recomendarles ya desde un principio que si planean ver The Marine, tengan lista cerca una bolsita por si tienen que vomitar. Es una película de acción como las viejas, que no toma rehenes… aunque sí, bueno, eso es toda la trama. Por lo menos a cada rato matan gente. Aunque no tanta como deberían, ni de modos tan espectaculares como quisiéramos. La bolsa para vomitar es por si son gente con discernimiento y se dan cuenta de que mientras algunos mueren de hambre, otros financian cosas como ésta. En fin, mencioné que el protagonista es un marine. Porque es un marine. Y muy poco más. Tan poco más de hecho, que no me queda nada que decir de él aparte de eso. Al menos como personaje. Es un marine y listo. El equivalente del papel que interpreta el sobrino del que hace catering, vieron, “Cajero de Banco”. Hasta ahí llega. Si algo llega a destacarse, son los coches. Es básicamente una película de acción de carretera, no típica de marines, pero qué sé yo. A mí ni me gustan los vehículos tanto como a otros, pero se los ve bonitos, especialmente mientras están en condiciones todavía en el desarmadero de unos aliados de los criminales. Una vez tocan el asfalto, los hacen papilla. Ah, y todos los criminales son increíblemente “cool”. Tienen músculos, armas, voces graves, minas en bikini caminando por ahí. Pero también son increíblemente estúpidos. Esta última parte es en verdad increíble. No digo que no exista gente estúpida, ya saben que creo son mayoría y nos rodean constantemente. Lo que quiero decir es que si alguien en realidad fuera tan impulsivo, violento, distraído e idiota como estos villanitos, hubiera fallecido antes de cumplir 20 años.

John Cena. Éste es el señor que está en muchos cuadros de The Marine. Un señor que ha hecho carrera de inyectarse anabólicos para pasar masa de sus testículos a sus brazos. Éste es nuestro protagonista. He leído por ahí a algunos desubicados que dicen que tenía presencia en pantalla. No sé qué pantalla estaban viendo, o si definen presencia como “llenar espacio con un cuerpo tan masivo que debe superar el peso límite a cargar por los coches que maneja”. No sé. Pero John Cena no puede actuar, al menos por ahora. Esto no va contra todos los luchadores profesionales, podemos estar de acuerdo en que desde un principio… más o menos… The Rock hizo una transición genial al cine. Hasta me lo imagino en unos años saliendo de tanta comedia y acción, y metiéndose en algún drama en serio. Me lo creería, cuello de metro de diámetro y todo. John Cena no. El hombre es el eslabón perdido. Si no fuera porque se afeita todo el cuerpo para mostrar bien su definición muscular, sería fácilmente confundido con un gorila. Lo cual no es una mala teoría, habrá que investigar si es o no primate superior.

Por lo menos The Marine nunca nos mintió. Desde el trailer se sabía que apestaba. Y yo la vi igual. Por qué? Porque a veces no puedo predecir la calidad de algo, pasó con The Departed. No pensaban que iba a poder poner una referencia a The Departed hablando de The Marine, no? Pero pude, siempre se puede. No sólo el trailer nos avisa en qué nos estamos metiendo. Los créditos iniciales concluyen con el título de la película, al lado del cual hay… no sé, es John Cena creo, pero parece un muñequito GI Joe, con las mismas articulaciones. Chiquitito y regordete, saludando militarmente. Y la primera escena, en la que rompe todo y todos, sacando armas hasta del ombligo, para rescatar a algún soldadito. Cuando termina de crear caos, no está agitado. Habla como si recién se despertara de dormir una siesta. Cierto, yo me agito bajando escaleras, pero si mataste a media docena de personas entre fuego, disparos y puñetazo limpio, tenés que bombear un poquito más de aire. Les gustan las explosiones? Sí, a mí también. Hay muchas en The Marine. Se estima alrededor de una docena, redondeando para arriba. Les gustan las leyes de la física? Porque si ése es el caso, se van a decepcionar. Parece que los realizadores se olvidaron que cuando algo inmenso estalla, hay otra cosita que se llama “onda expansiva”. Es decir, nada más pararse justito al lado del último centímetro de llama expulsada, no es suficiente para salir completamente ileso. La gente se cae, casi sale volando. Bueno, no en The Marine. Ni la ciencia puede detenerlos. Admito buenos fragmentos de una escena nada más. Es algo así como una clase sobre la anatomía de un coche de policía. A toda velocidad en el medio de la ruta, y más allá, se va cayendo pedacito a pedacito. Y sí, está bueno. Ya sé que vengo haciendo muchas preguntas, pero permítanme una situación hipotética. Digamos que tienen un martillo y quieren matar a alguien. Esta persona está indefensa. Golpean el estómago o la cabeza? Preguntas como ésa tienen respuesta en The Marine. Respuesta incorrecta, pero respuesta al fin.

The Marine viene ganando algo más de 20 millones de dólares en taquilla desde que estrenó. No sé cuánto habrá sido el presupuesto, pero si todas esas explosiones eran miniaturas, quizás recuperó algo. O si convencieron a Cena de cobrar con frijoles mágicos.

Hay buenas películas de acción, y después hay cosas como The Marine. No hay Robert Patrick que lo salve, ni Kelly Carlson que nos distraiga. Tiene la falla fundamental de no existir más que como una secuencia de escenas de acción menos satisfactorias que un bife de hueso. Va directo al Basurero, y si quieren verlo, que sea con amigos para reírse un rato de tanta idiotez.

3/10 J (tres de diez Jorgitos)

Próximamente
Ice Age: The Meltdown

Título: X2

Probable título en español: “XX”

Director: Bryan Singer

Guión: Michael Dougherty, Dan Harris, David Hayter

Elenco: Patrick Stewart, Hugh Jackman, Ian McKellen

Género: acción, aventura, ciencia ficción, thriller

Año: 2003

Este subgénero de adaptaciones cinematográficas de comics que tanta popularidad ha tenido en esta primer década del siglo XXI, tiene ambos exponentes positivos como negativos. En un extremo del espectro hay producciones vergonzosas, exageradas e irrespetuosas por completo al material fuente. En el otro extremo, hay obras que se han convertido en hitos del cine, sabiendo manejar los conflictos dramáticos de personajes bien desarrollados, en contextos extraordinarios repletos de valor de entretenimiento. Acá en esta última categoría, entra X2.

Patrick Stewart (Star Trek: Nemesis) vuelve a sentarse en la silla de ruedas como el Profesor Charles Xavier, poderoso mutante que busca por medios no violentos la integración pacífica de todas las personas. Hugh Jackman (Kate & Leopold) también regresa para esta secuela, interpretando a Logan, personaje icónico de los comics si los hay. Un tipo resentido, de pocos amigos, cuyo cuerpo se cura de todas las heridas. Y tiene un esqueleto de metal. O sea, le duele, pero sana. Mucho más interesante que otros, no, señor Kent? También en el elenco, Ian McKellen se disfraza con gusto para darle rostro y cuerpo a Magneto, otro villano que ha hecho historia en la página ilustrada. La contrapartida de Xavier, es un mutante poderoso que ve a su calaña como los verdaderos señores de la Tierra. Por algo pueden romper todo, rehacerlo y volverlo a romper. Plan divino, gente.

Bueno, sí, X2 es una secuela. Y qué? La disfruté tanto como X-Men, pero fui capaz de apreciar que en general, puesto simplemente, es una mejor película. Hay que ser imparcial y admitirlo. Es más, hasta la pasé un poquito mejor con la última de la trilogía, X-Men: The Last Stand, pero no me ven publicándolo. Porque X2 se destaca, desde un punto de vista objetivo. En técnica, en narrativa, en todo. Es lo que alimenta a este subgénero de adaptaciones. No sólo tiene la capacidad de generar más ingresos que Bill Gates diseñanado un virus, sino que a veces hay producciones que le hacen competencia decente a películas mucho más respetadas, con personajes y situaciones impecablemente representadas. Algo que no sucede a menudo, es que X2, aun siendo secuela, puede verse más o menos bien sin haber atestiguado X-Men. Tiene su principio y su fin, bastante bien definidos. Hay espacio para más, y viene de antes, pero no es necesario ver lo anterior para pasarla genial. Aunque, como con X-Men, si conviene conocer un poquito la mitología que dio a luz a estos films. Porque con más personajes que un país pequeño, seguramente algunos pueden confundirse. Aparte se lo goza más, y resulta menos estrafalario en ocasiones. Sin conocer esta mitología, solamente puede disfrutar estas películas algún fanático ciego de la acción y los efectos especiales. Ciego metafórico, obvio. Dicho eso, que siempre hay que analizar con las secuelas, X2 es un ejemplo perfecto del subgénero. Desde el primer momento, nos sumergimos en la acción, con un atentado mutante contra el presidente de los Estados Unidos, y una banda sonora que lo acompaña que casi me hizo caerme del sillón. Después bajé un poco el volumen, y todo bien. Los superpoderes de los muchachitos y muchachitas tienen una predecible tendencia a no ser los más creativos. No estamos trabajando con una obra de reflexiones filosóficas. Es más… algunos parecen bastante inútiles, al menos en comparación con otros. Pero todos son muy bonitos. Los efectos especiales se llevan el premio. Bueno, un premio, quiero darle más premios. Cuando los militares invaden la escuela del Profesor Xavier, se pasa de la risa, al suspenso, a la acción, a la risa, al drama, al suspenso, etcétera. De todo. No, no lo puse en orden porque no tomé nota de eso. Estaba muy ocupado mirando la película, vieron.

Es difícil hacer casting para las adaptaciones de trabajos que han generado conjuntos de seguidores fieles e interesados a través de largos períodos de tiempo. Una cosa es hacer Harry Potter dos minutos después que se seca la tinta del libro, o producir la vigésimo séptima adaptación de alguna novela rusa. Otra muy distinta es traer a la pantalla personajes muy queridos, por mucho tiempo, y por primera vez. Eso fue hecho impecablemente con el elenco de X-Men, y es repetido con el mismo elenco en X2. Vale mencionarlo, porque a veces rotan. Éste no es el caso, y Hugh Jackman puede nuevamente mostrar músculo y actitud en el papel por el cual se lo va a recordar toda su prometedora carrera. E Ian McKellen puede dejar los clásicos y el teatro un rato, para hipnotizarnos como uno de los villanos más convincentes de la historia. Y cuando tiene diálogo con su amigo/enemigo encarnado por Patrick Stewart, casi hay que dejar de mirar, porque tanta precisión y capacidad histriónica puede dañar las córneas.

No, no me está agarrando el estrógeno, pero pasa con algunos personajes. Son Goku, en Dragon Ball por ejemplo. Y Logan en X-Men. Cómo demonios se pasa ese cabello de la página a la realidad tridimensional, cuando parece desafiar la gravedad y al menos otras dos leyes de la física Newtoniana? Aparentemente, sin problemas. La melena de Hugh Jackman es leal al personaje que interpreta hasta el último pelo de las demasiado largas patillas. Y casi no distrae. Lo que no distrae en absoluto son los efectos especiales… esperen, será ese pelo un efecto especial? Es decir, cuenta? No sé, no importa. La cosa es que la era de la informática complace a todos los sentidos y propósitos. Gracias a las computadoras podemos transmitir datos en un abrir y cerrar de ojos, y en un abrir y cerrar de ojos también podemos perdernos alguna parte de una secuencia visual extraordinaria, como las muchas contenidas en X2. Se logra con la historia del film hacer docenas de guiños a la extensísima mitología del comic original, lo cual gente como yo aprecia. Asumo que los que conocen la fuente todavía mejor, lo aprecian más. Claro que también deben sufrir más al notar que ciertos personajes que una vez fueron fascinantes y se irguieron en el centro de la acción del comic, aparecen en la película, pero son relegados, disminuidos, vueltos un residuo de una idea. O sea, bien porque aparezcan. Mal porque no los respeten apropiadamente. Quizás hubiera sido mejor inventarse algunos personajes nuevos que ocupen esos lugares tan pasajeros. Así en vez de perder oportunidades, se las crea. Entre las escenas más memorables, se encuentran el escape de Magneto de su prisión de plástico, que hace notar lo genial que sería poder mover metal. Con un poquito se hace tanto, no se necesita tener coches o vigas disponibles. Y también una de las mejores secuencias de acción mano a mano de la década, con Logan y Deathstrike haciéndose trizas. Deathstrike, uno de esos personajes lamentablemente poco desarrollados. En fin, con tanto mutante yendo de acá para allá, con nombre y apellido y todo, es sólo una pequeña porción de éstos que atrapa nuestra atención. Lo bueno es que puede ser que para cada persona esta porción sea diferente, así que seguro cada par de ojos mirará lo que le convenga.

X2 se ganó a audiencias y críticos por igual, siendo reconocida como una de las mejores películas basadas en comics, lo cual sin duda alguna es. Llegó a reunir más de 400 millones de dólares en la taquilla mundial, sobrepasando a su predecesora, y con mucho mérito.

En qué concluimos entonces? Que X2 es una de las mejores películas de comics que hay? No, tengo que decir que no. Directamente, X2 es una de las mejores películas que hay. Está en buena y numerosa compañía, pero no se limita al género que pertenece, lo sobrepasa y al mismo tiempo lo fundamenta. Otra alegre adición a la Filmoteca del blog, porque verla una sola vez es como dormir media hora. Uno descansa, pero quiere repetir la experiencia.

8/10 J (ocho de diez Jorgitos)

Próximamente: The Marine

Título: Rear Window

Probable título en español: “Detective Aficionado en Silla de Ruedas”

Director: Alfred Hitchcock

Guión: John Michael Hayes

Elenco: James Stewart, Grace Kelly, Wendell Corey

Género: misterio, thriller

Año: 1954

A riesgo de sonar el cuádruple de mi edad, tengo que decir, ya casi no se hace películas como antes. Ir al cine solía ser una experiencia única e irrepetible, ahora los mejores proyectos tienden a poseer la resonancia de una película hecha para televisión, repitiendo en cable durante las horas bajas de la madrugada. Justo cuando se te van cerrando los ojos, y pensás “si no se termina en media hora, me voy a dormir”. Es bueno refrescarse de vez en cuando con producciones que tengan edad para ser abuelas de American Beauty.

James Stewart (Tomorrow’s Drivers) interpreta a un fotógrafo de pierna rota, confinado temporariamente a una silla de ruedas, que se divierte espiando a los vecinos de su complejo de edificios. Grace Kelly (Dial M for Murder) es el obligatorio interés romántico, Wendell Corey (Hell’s Half Acre) el conveniente detective amigo que le da una mano legítima al protagonista cuando la necesita. En fin, tanto mirar vecinos, eventualmente alguno va a hacer algo lo bastante sospechoso como para ameritar dos horas de cinta.

Rear Window es una obra maestra. Quería dejar eso sentado en registro, porque juzgando por los dos párrafos anteriores, vengo sonando algo desencantado. Todo lo contrario. Siempre le he tenido cariño al buen Hitchcock, y de pequeño devoré mucho de su obra. Eso fue hace casi una década, y ahora, bajo esta nueva luz que me provee mi apasionada juventud, es un gusto volver a visitar las producciones que ya eran sólo una sombra en mi memoria. La trama de Rear window sigue la progresión básica que se imaginarán, así que en lugar de aburrirlos con detalles de la historia, voy a ver si puedo entretenerlos con detalles de la atmósfera. Por ejemplo, hay un perro. Personalmente nunca he sido fanático de las cosas vivas incapaces de comunicarse claramente, pero este perrito tiene su gracia. Lo bajan y suben del patio en una cestita, desde un balcón. Ah, y también tiene su papel en la trama, por supuesto. Hay una siempre presente sensación claustrofobica en la película, considerando que la herida del protagonista lo mantiene confinado, tiene sentido. Uno se empieza a dar cuenta después de unos minutos, que no sale del departamento, que se ve todo de la misma única perspectiva. Era lo que se esperaba, pero también temía yo que no fuera así. Afortunadamente, lo es, e incomoda de un modo fascinante.

A decir verdad, algo curioso me llamó la atención. No sentí tanto la mano dura de Hitchcock detrás de cámara, como el trabajo del elenco. Especialmente Grace Kelly. A pesar de interpretar a un personaje que no es particularmente idiosincrático, y de tener una voz que me resultó tanto enigmática y exótica como menos que atractiva, cada momento que estaba en pantalla era un buen momento. No nos sobran mujeres así de elegantes hoy en día. Tranquilos, no creo que cuente como necrofilia. Aunque… sí, hay toda una tesis de eso. Mejor me callo.

El diálogo en Rear Window es algo que nunca se detiene. No quiero decir que siempre haya gente hablando, sino que cada oración es una perlita de sabiduría, o al menos magia verbal. Wendell Corey se lleva el premio con las líneas “Qué dicen si nos sentamos todos y bebemos unos lindos tragos amistosos también, eh? Nos olvidamos de todo esto. Podemos contar mentiras sobre los buenos días de la guerra”. No tiene precio. Y Rear Window está plagada de diálogo rápido y mordaz, que saca varias sonrisas. El set es magnífico, y se nota desde las primeras tomas. Logra expresar esa sensación de proximidad entre vecinos, que cualquiera puede estirar el brazo y tocar al otro, y hasta un miope como yo puede malinterpretar algo que vio y empezar un rumor vicioso. Como estampa de la época, un poco más limpio que en la realidad es posible, pero le da un toque teatral, se siente parecido a ver una obra en un escenario. Ayuda también que sea set único. En una de las primeras tomas tenemos el privilegio de echarle un vistazo a algunas de las fotografías tomadas por el protagonista, que le valen su trabajo. Y con eso ya entendemos que el hombre sabe lo que hace, al menos con una cámara. La aparición de Hitchcock, cosa que sucede en la mayoría de sus películas, no me tomó por sorpresa. De repente ahí está, dándole cuerda a un reloj en la casa de un músico que se pasa la película componiendo una canción. Completamente extraño y fuera de lugar. Seguro algún malpensado hasta creyó que era una especie de guiño homosexual. Qué malpensado que soy. Todos los vecinos tienen sus idiosincracias, y llegamos a conocerlos tan bien como el protagonista. Hasta parecen simpáticos. Una pareja escapa del sofocante calor de la temporada, pasando las noches sobre un colchón en el balcón. También son los dueños del perro. La banda sonora es impecable, nunca se inmiscuye, pero está siempre, ahí en el fondo, donde pertenece. Se destaca cuando el músico trata de componer su canción. Y me la acuerdo siempre que mis seres queridos me gritan que me calle, cuando me pongo a cantar “That’s Amore”. Perdón, se me quedó pegada.

El papel del músico fue interpretado por Ross Bagdasarian, un verdadero compositor y pianista. Si bien el último acto del film al final pone en peligro a los protagonistas, todo lo anterior es un ejercicio en especulación ociosa y conversación trivial, que nunca deja de entretener, sin volverse trillado. Estaba cruzando los dedos porque fuera de este modo hasta el último minuto la primera vez que la vi, pero lamentablemente esa última porción tiene acción. Buen suspenso, eso se aprecia. Hubiese preferido un experimento en el desarrollo intelectual de una idea nada más desde el diálogo, bien confinados los personajes en la seguridad del departamento, pero no se puede ganar el mundo y quejarse de no tener el sistema solar. No soy tan ambicioso.

Tomando todo esto en cuenta, quisiera subirme a la cima de una montaña, y con el megáfono apropiado para no lastimarme la garganta, gritarle al mundo que mire Rear Window. Porque soy bueno, y quiero que sean tan felices como yo. Se agrega instantáneamente a la Filmoteca del blog, y a la mía propia para ver una y otra y otra vez. Es una de esas cosas que el tiempo sólo mejora, como el vino o la perspectiva.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente: X2

Título: Fantastic Four

Probable título en español: “El Cuarteto”

Director: Tim Story

Guión: Mark Frost, Michael France

Elenco: Ioan Gruffudd, Jessica Alba, Chris Evans

Género: acción, aventura, fantasía, ciencia ficción

Año: 2005

Pensé que este día no llegaría, damas y caballeros. Pensé que mi amor por el cine me impediría desear el fin de una película, más allá de mi ansiedad por futuros compromisos de cuya asistencia me prevenía. Lamento mucho haber sido testigo, voluntario aunque tardío, del punto más bajo en el subgénero moderno de la adaptación del comic a la pantalla.

Ioan Gruffudd (The Little Things) no le hace honor al nombre de Reed Richards, quien junto con Jessica Alba (Sin City) como su interés romántico y Chris Evans (The Orphan King) como el hermano de esta última, se ven expuestos a cierta radiación cósmica que les da poderes sobrehumano. Ya saben, los Fantastic Four. Obviamente, hay un cuarto integrante, éstos no son los mosqueteros, pero no quiero ni poner el nombre, para no asociar permanentemente al gran actor que lo interpreta con este mediocre y decepcionante proyecto.

Parecería que Hollywood es incapaz de hacer una película adaptada de comics que involucre heroínas sin equivocarse catastróficamente, ya sea en cuestiones de éxito monetario o conceptual. Fantastic Four no tiene cualidades que la rediman. Hasta el gusto de ver Jessica Alba es diluido por el hecho que es la Mujer Invisible. Así que, bueno, se la ve menos que lo recomendado para apoyar un film entero en su presencia. El problema mayor, y eso es decir mucho considerando las docenas de problemas menores, es el tono. Donde las últimas producciones de Marvel involucrando a Spider-Man o X-Men lograron sin cuestionamiento expresar las posibilidades dramáticas que han elevado al comic a la altura del resto de las narrativas, Fantastic Four parece una comedia. Por género, no lo es. Nada de malo con aliviar un poco la tensión de vez en cuando… pero vale que haya algo de tensión para eso. El conflicto principal es tan complejo e interesante como un panqueque mojado. Los personajes tienen la profundidad intelectual y emocional de un plato. Ni siquiera un plato hondo para sopa.

Hay que dar crédito donde crédito se debe, y éste va con mucho cariño a Ioan Gruffudd, un actor galés que hizo lo impensable: fue capaz de tomar un personaje que nunca me gustó, y hacerlo completa e irreparablemente insoportable. Reed Richards está muerto para mí. Podría elaborar una lista de cada detalle en los cuales este hombre falla en su interpretación, pero me doy cuenta que si sumo estos detalles, el resultado es la totalidad del personaje. Por lo tanto, todo. Claro, también se debe al guión que decidió hacerlo de cartón en vez de goma, a la dirección que probablemente fue tan útil como un mapa del dormitorio a la cocina, pero no puedo sacarme de la cabeza que en las manos de un actor con carisma mayor, las líneas, las expresiones al menos, podrían haber sonado menos como un atentado contra mi paciencia y más como una persona de verdad hablando.

Al menos, los efectos especiales son buenos. Claro, también lo son en Spider-Man y X-Men, así que parece que ni con eso supera a cualquier producción de presupuesto. No hay que olvidarse que la audiencia a la cual Fantastic Four está dirigida está compuesta por amas de casa aburridas, por no decir desesperadas… cómo? No? Es para la gente que le gustan los comics y las películas que los emulan? Ah, digo, por todo el melodrama indigno de telenovela diurna que nos hacen tragar como si fuera diálogo emotivo. Disculpen, me habré confundido. Entonces apesta. La historia tiene una progresión lo suficientemente lineal como para que la siga un ciego sordomudo. Ven, algo bueno. No discrimina. Claro, esto sería si en realidad hubiera historia, y no una presentación de los personajes, seguida por el villano convenientemente enloqueciendo. A todos nos gusta un villano loco de vez en cuando, pero hay que tener una cierta calidad establecida para poder salirse con ésa sin parecer perezoso. Mencioné que acá la mayor calidad aparece cuando ruedan los créditos finales y nos ahorran el martirio de más escenas? Fue un momento horrible cuando vi, en primer plano, a mi tan querido Stan Lee, genio creador de las maravillas clásicas de Marvel como los verdaderos Fantastic Four, efectuando su obligada aparición en la película, como hace con todas basadas en sus personajes. Sólo pude rezar para que fuera una cuestión contractual y no señal de aprobación tácita. Afortunadamente, después de maldecir los cielos, me acordé que hay guerras y enfermedades por el mundo, y no pareció tan grave. Pero si ni siquiera lo mejor de la humanidad es tan bueno ya, no nos queda mucho de que aferrarnos. Uno de los aspectos más dramáticos y bien desarrollados de Fantastic Four, original, eh, no este vómito cinematográfico, eran los problemas que tiene The Thing. La radiación o lo que fuera, lo vuelve un hombre de piedra, más feo que boxeador fracasado, y es rechazado casi por todo el mundo. Este aspecto está presente en el film, lástima que también está enmarcado por bromas malas y música que parece sacada de un sketch de comedia. Ya sé, estoy diciendo muchas cosas negativas, pero todo sobre está película es mucho. Los buenos son muy buenos, los malos son muy malos, Jessica Alba es muy atractiva, los efectos son muy especiales. Si alguna vez pensaron que menos es más, les concedo la completa razón.

Ahora se nos viene encima la secuela, Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer, en donde vuelve el Doctor Doom como villano, asumo que igual que en este film, sin tener nada que ver con los comics más que el nombre. Se le agrega The Silver Surfer y si tenemos… buena o mala suerte, Galactus. Si todo esto significa algo para ustedes porque conocen toda la mitología original, entonces pueden o no entrar en pánico. Hay que ver si estos personajes ayudan a hacer un mejor proyecto, o si verlos en pantalla descuartizados por la mediocridad de los realizadores arruina algunos de los mejores recuerdos de su niñez. Allá ustedes. Esto sí puedo decirles con certeza, especialmente a los que no estén familiarizados con las historias originales: no hay forma de que la secuela sea peor que Fantastic Four! Ven, así se gana un punto.

Quiero que ahora se tomen un momento para reflexionar. Éste es el párrafo final, en el que les recomiendo, en mi opinión, cuánto tiempo de su vida deben invertir en la película comentada, ya sea cero minutos o un par de horas. Y quiero que adivinen qué diría, porque no lo voy a decir. Voy a decirles con mucha alegría que pueden ver sin desperdicio de reloj cualquier Spider-Man, la primera, la segunda, las dos. Voy a decirles que Fantastic Four es el primer film en ganarse un espacio en la categoría “Basurero” que debería aparecer en la barrad de la derecha. Y voy a dejar que saquen sus propias conclusiones.

1/10 J (uno de diez Jorgitos)

Próximamente: Rear Window

Título: Be Cool

Probable título en español: “El Hombre Musical”

Director: F Gary Gray

Guión: Peter Steinfeld

Elenco: John Travolta, Uma Thurman, Vince Vaughn

Género: comedia, crimen, música

Año: 2005

Las secuelas son cosas que pasan, para alegría de algunos y miseria de otros. Desde la existencia de la historia narrada, la han seguido secuelas. Hasta la Guerra Mundial tuvo una secuela, aunque no se la merecía. Es cierto, tuvo personajes más interesantes y recaudó más, pero igualmente pareció innecesaria. Al contrario, en los ocasionales puntos donde Get Shorty falló, Be Cool se luce, diez años más tarde.

John Travolta (Ladder 49) repite su papel de Chili Palmer, un personaje no muy desarrollado, pero tan carismático que lo recuerdo de nombre y apellido. Palmer, un cobrador de la mafia vuelto productor de cine, ahora se vuelve productor de música, asociándose con la viuda de un amigo, interpretada por Uma Thurman (Kill Bill: Vol 2). Las cosas se complican cuando le pone el ojo profesional a una cantante ya representada por el personaje de Vince Vaughn (Dodgeball: A True Underdog Story).

Be Cool es una secuela, y debe ser tratada como tal. Todos los que vayan por ahí diciendo que puede erguirse como una película única, no hacen notar cuánto pierde si se le permite hacer eso. Por lo tanto, para disfrutarla en su entereza, hay que ver Get Shorty. Podría ser peor, podrían tener que amputarse una pierna. Eh, un poco de perspectiva, por favor. Esperaba bastante de la película, habiendo visto y apreciado la original, y no me defraudó en absoluto. Tiene buen humor, por todas partes, aun más que la anterior. Tiene a The Rock como un guardaespaldas gay. Eso es un guardaespaldas gay más que Get Shorty. Aunque no es una competencia. Pero va ganando. En esta ocasión, en vez de sumergirnos… bueno, echarle un rápido vistazo, a la industria del cine, nos encontramos en la industria de la música. Ese extraño cosmos de actuaciones en vivo y grabaciones, de rapperos y estrellas pop mezclados como atún y chocolate blanco, de cantantes que piensan que saben actuar. Me detengo en ese último item, porque siempre me han irritado. No lo tomen a mal, tampoco quiero ver actores cantando. U oírlos. Ya entienden. Sin embargo, el elenco de Be Cool, y qué elenco, está condimentado con varios artistas del audio. Y no me molestó. Ya sé, ya sé, herejía. Qué le vamos a hacer, los tiempos cambian. Parecería que ahora muchos músicos saben interpretar personajes distintos a los que interpretan sobre el escenario. Con tanta habilidad camaleónica, puede que no tengan personalidad propia, pero a quién le importa, pueden comprar una de diseñador.

La diferencia más pronunciada entre Get Shorty y Be Cool es la dirección. Ya no de la mano de Barry Sonnenfeld, nos guía en cambio F Gary Gray (The Italian Job), y es una distinción en extremo bienvenida. Durante las dos horas, no se entromete, no entorpece la trama ya predeciblemente complicada. Y en esas dos horas, extensas por algunas actuaciones musicales, llega incluso a hacerse notar sin hacerse odiar. Hay que darle crédito, sabe lo que hace con la música.

Recordar que estamos viendo una secuela no es muy difícil, desde el principio tenemos la advertencia de labios de Travolta: “Odio las secuelas”. Nosotros desde afuera podemos reírnos, pensando que odiar las secuelas es lo mismo que odiar las películas. Para compensar por la ausencia de Gene Hackman, ausencia costosa de compensar si las hay, tenemos la adición al elenco de Harvey Keitel, en un excelente guiño al film original. De los cuales hay muchos. Es por eso que decía antes, no haber visto Get Shorty y ver Be Cool, es un error. Al menos la mitad de las escenas, y casi toda la trama, tienen referencias y similitudes propuestas con la película anterior. Agrega mucha gracias, es la recompensa del espectador ávido, como la segunda temporada de una serie de televisión. Si se cuidan las semillas, crece un lindo árbol, y Be Cool es encantadoramente frondoso. Ahora, Get Shorty hizo bien con las películas que incluyó como ejemplo de lo destacado en la industria del cine. Pero… Be Cool no logra el mismo efecto con la música. Hay bastante mala, sino en sonido en letra, o ambos. Aunque como por cada tema molesto que nos da ganas de adelantar tres minutos y golpearnos la cara contra la pared, hay uno bueno que nos da ganas de repetirlo y cantar en conjunto como camaradas, se neutraliza. O sea, si el cine fuera una ecuación matemática, en este aspecto nos daría cero. Por suerte nunca presté mucha atención a las matemáticas, así que no cuenta en negativo. Uh, cuánto juego de palabras. Felicitaciones también por hacer que los personajes manejen cadáveres con guantes puestos. A menudo tanto drama como comedia cometen la negligencia de olvidar los pasos básicos para no incriminarse en el delito. Otros detalles que elevan a Be Cool, de bastantes que no voy a comentar, son The Rock interpretando un “monólogo” de Bring It On, que es imperdible. Me reía antes que empezara. Y Uma Thurman hablando con un policía tras la muerte de su marido. Con minifalda, sonrisa y una remera ajustada que dice “VIUDA”.

Be Cool, con mucho mérito, recuperó los más de 50 millones de dólares de su presupuesto, recaudando un total mundial de casi 100 millones. Total mundial suena importantísimo, pero es todo lo contrario, porque mientras mayormente distribuida esté una película, va a acumular dinero internacional como un técnico de computadoras acumula acné. En fin, fue exitosa. Y Joe Perry tiene diálogo!

Entonces, ustedes, como seres humanos que son, deberían buscar entre los estantes de algún videoclub, o las carpetas de algún vendedor ilegítimo de DVDs por la calle, Be Cool, para después verla, costándoles dos horas de sus preciosas vidas? Sin duda alguna. Habiendo ya visto Get Shorty, no digan que no les avisé. Como a menudo sucede, aunque es una película genial, no sirve demasiado para ver múltiples veces, así que no entra a la filmoteca oficial del blog. Pero la recomiendo al fan del cine más que aspirina a alguien con dolor de cabeza.

9/10 J (nueve de diez Jorgitos)

Próximamente: Fantastic Four

Título: What a Girl Wants

Probable título en español: “Papá y mamá: Diferencia de Nacionalidades”

Director: Dennie Gordon

Guión: Jennie Bicks, Elizabeth Chandler

Elenco: Amanda Bynes, Colin Firth, Kelly Preston

Género: aventura, comedia, drama, familia, romance

Año: 2003

Es lo que es. Se pasa rápido, para ser lo que es. No deja de serlo, por ser lo que es. Disculpen, estaba viendo si podía componer una canción sobre películas que son siempre iguales las unas a las otras y no tienen nada que ver con ninguna realidad humana que conozca. No asuman que éste es el caso de What a Girl Wants. Porque asumir está mal. Tendrían razón, pero asumir está mal.

Amanda Bynes (What I Like About You) interpreta a una muchachita que vive en USA con la madre, papel que pertenece a Kelly Preston (For Love of The Game). La madre había quedado embarazada de un británico que conoció viajando, igualito a Colin Firth (Hope Springs). Pero la familia del señor no le tenía mucho cariño, siendo ella tan relajada y ellos ingleses fríos y aristocráticos, así que la terminaron alejando. Entonces su hijita, una vez crecida, decide ir en busca de su padre. Porque en las películas, hay que tenerlo todo y con un buen postre al final.

What a Girl Wants en realidad tiene mucho misterio. Bueno, un solo misterio, pero que me tortura hace años. Cómo hacen las mujeres para ponerse una tiara y que no se les caiga? Lamentablemente, el film no responde este esencial interrogante. Las escenas entre la adorable Bynes y Firth son las únicas que tienen un cierto carisma, considerando que son un par de actores capaces de recitar diálogo y hacerlo parecer una conversación. Esto es cuestión del destino, porque tienen menos dirección general que moscas mareadas, pero no se los puede culpar. También triste es que no tienen muchas escenas compartidas, al menos que cuenten, hasta después de que consumimos media película. Una vez pasa el columpio, en este sentido es cuesta arriba. Otra interrogante que surge de ver What a Girl Wants, es cómo el personaje de Bynes llegó a vivir más de cinco años en este mundo, siendo tan extremadamente torpe? La comedia física puede ser un beneficio, mas casi nunca resulta. Es más, acá hasta arruina las pocas escenas que llegan a producir risa. Apenas pensaba “bien, me estoy riendo, no hagan que se caiga, no hagan que se caiga”… ya sabía que era inevitable. Entre las demostraciones de falta de coordinación motriz, se incluyen accidentes que involucran dunas, piernas, paredes, pasarelas, armas y botes. Sí, las conté. Era necesario.

La dirección de Dennie Gordon (Joe Dirt) no se entromete en absoluto. Ahora, vamos a probar una pequeña teoría: las películas deben tener al menos una combinación de buena trama, buen director, buen elenco… es decir, necesitamos dos de esas cosas. Un elenco decente solo no llega a ningún lado, para eso miro un programa de entrevistas. Siendo tan débil desde el punto inicial como lo es, What a Girl Wants podría haberse beneficiado de mayor dirección por parte de Gordon, sin embargo, nada. Podrían haber programado las cámaras, dejado a los actores que hagan lo suyo, y listo, el presupuesto se desinflaba con un sueldo menos.

Esta película es nada más que un síntoma de una enfermedad antigua y ya bien diagnosticada. Cuando aquéllos a cargo se toman muy en serio ese dicho de que “no hay nada nuevo bajo el sol”, ni siquiera se esfuerzan. Y ésa es la razón por la cual no hay nada nuevo bajo el sol. Alerta de círculo vicioso. No sólo hablando de historia, también el casting. El inocuo e innecesario interés romántico de la protagonista es interpretado por el mismo muchachito británico que un año después pasaría a seducir otra jovencita norteamericana alimentada a base de Disney y azúcar, Hilary Duff. He aquí el tercer misterio, una suerte de metamisterio en realidad. Al menos en esta década, el pibe tiene la presencia en pantalla de un extra glorificado. En sus mejores momentos, en los peores se destaca más un empapelado poco creativo que él. Entonces, qué es lo que los directores de casting le ven? No sé, asumo que conectó bien con las adolescentes. Otra británica que noté aparece en What a Girl Wants es la chica que pasaría a hacer Hex. Así que, por supuesto, apenas la vi desperdicié tiempo esperando que matara algún demonio, le inyectara algo de acción a la cosa. Pero no, predeciblemente, nada de demonios. Cada buen momento de la película, como por ejemplo la abuela de la protagonista practicando tiro en el patio trasero de la mansión, y fallando miserablemente, es diluido por la comedia física con la que deciden cerrarlo. A excepción de uno solo, involucrando un candelabro, que parece haber sobrevivio intacto como ocasión digna de gracia.

Con todo dicho y hecho, no me quedó bien claro qué es lo que una chica quiere. Para el final de What a Girl Wants, la protagonista se despide con madre, padre, novio, universidad prestigiosa, y todos sus antagonistas en situaciones menos que ideales. Qué final, eh. Faltaba que alguien se gane la lotería. Quizás hubiese sido más fácil enumerar lo que una chica no quiere, y ahorrarnos un poco de tiempo. Si les resulta suficiente pasar 105 minutos con Amanda Bynes, entonces por todos los medios, no se nieguen el gusto. En cambio, si quieren un poco más de sustancia con su cine, o al menos calidad, no se molesten y miren Water o algo por el estilo.

5/10 J (cinco de diez Jorgitos)

Próximamente: Be Cool

Título: Turistas

Probable título en español: “Las Vacaciones de tu Muerte”

Director: John Stockwell

Guión: Michael Ross

Elenco: Josh Duhamel, Melissa George, Olivia Wilde

Género: aventura, drama, terror, misterio, thriller

Año: 2006

Pueden haber sido las bajas expectativas. Si les sirve de consuelo, cúlpenlas. Personalmente yo no necesito consuelo. Después de ver las terribles críticas, seguía algo entusiasmado por ver Turistas. No hay nada de malo en disfrutar de alguna que otra actriz bonita escapando de un carnicero amateur. Pero sí pensaba que iba a ser casi insoportable: según los valientes que la vieron antes que yo, cada minuto es una tortura equivalente a las que pasan por la pantalla. Con toda la humildad que puedo producir, creo que tengo un problema glandular, creo que mucha gente se equivocó, al menos parcialmente.

Josh Duhamel (Las Vegas) interpreta a un muchacho que acompaña a su hermana, la encantadora Olivia Wilde (The OC), a vacacionar en Brasil. Un autobús a medias construido en el que van recorriendo la ruta vuelca, conocen al personaje de Melissa George (The Amytiville Horror) y algunos otros turistas desafortunados, la pasan bien en un bar que encuentran por ahí en vez de esperar el otro bus… y después las cosas se ponen feas cuando se despiertan después de haber sido drogados y víctimas de un robo. No les queda nada, apenas hablan el idioma, y encima es una película de terror, así que es evidente que alguien va a querer matarlos. Qué mala suerte, caramba.

Es cierto que los brasileños, hasta los últimos cinco minutos de Turistas, no son retratados en la mejor luz. Si una no es prostituta, el otro es ladrón, o asesino, o drogadicto, o traidor, o tiene muy pobre higiene personal. Ahora, no me parece que tan terrible. Agarren cualquier país del mundo, y van a encontrar múltiples ejemplos de ciudadanos que exhiban en una medida u otra esas características. Nadie es inmune. Los protagonistas de la película tuvieron una mala experiencia, la Cámara de Turismo de Brasil o lo que fuera no tiene porque ponerse tan nerviosa. Al menos me tienen a mí para explicarles a todos lo que quieran oírme: todos podemos ser víctimas del tráfico de órganos humanos hasta en la esquina de nuestra casa. Ya pueden sentirse más seguros, no? Típica advertencia gráfica que siento es imperativo expresar; si tienen algún problema viendo cómo un médico sin demasiado motivo mata a un hombre atravesándole el ojo con un palillo hasta que llega al cerebro, no miren Turistas. Son cosas que pasan. Y si el lenguaje vulgar hiere sus sensibilidades cristianas, otra razón para alquilar algo de Disney. Después me preguntan por qué no quiero irme de vacaciones y cada vez que puteo me sale “fuck”.

Sí, Turistas no existe para hacernos pensar. Existe para hacernos sentir. No particularmente una conexión intelectual o emocional con los personajes, tanto como un solidario “yo en su lugar estaría en posición fetal en el medio de la selva”. Hay que admitirlo, estamos viendo una peli de terror, no una obra cinematográfica histórica como Brazil. Es decir, estamos viendo Brasil, pero no Brazil. Ustedes me entienden. Así que entre una muy bonita escena en donde el mencionado bus vuelca y se va por una colina, de un modo poco funcional para un vehículos; los paisajes tropicales, que pueden no ser tropicales porque no sé bien qué se considera tropical, pero parecen bastante tropicalescos; cuevas subterráneas llenas de pececitos y agua cristalina, Turistas tiene cosas que ofrecer. Nuevamente, no serán de las más artísticas, pero no todo tiene que ser arte. No quisiera vivir en un mundo donde el único cine es el dramático independiente, tanto como no quisiera vivir en uno donde las pantallas sólo muestren gente bonita cortada en pedacitos. Es a éste último sub-sub-subgénero que pertenece el film en cuestión. Sigue también la probada ley que dice que aquel personaje con menos líneas cuando las cosas se ponen feas, es el primero en morder la bala. No literalmente, pero con los mismos efectos. Siento la responsabilidad de desalentar las malas críticas casi directamente. Hay quienes se quejaron de la explotación de la violencia en Turistas. Es hora que nos demos cuenta que el sexo y la violencia, en orden alfabético, son dos aspectos intrínsecos de la humanidad, siempre lo han sido y lo serán por siempre, y en la actualidad son el pan y el queso del cine. No hay ninguna vergüenza en tanto explorarlos como explotarlos. Una persona sin libido y/o temperamento difícilmente es persona en absoluto. Para pertenecer al género que pertenece, bueno, Turistas no se llega a destacar, pero tampoco decepciona. Todo en perspectiva, muchachos. Uno entra pensando que va a ver gente genéticamente afortunada soportar la mala fortuna de encontrarse en una situación desesperante donde no van a durar mucho, al menos enteros. Y eso es lo que consigue. Ya resulta bastante exitoso el proyecto. El elenco es obligatoriamente agradable a los globos oculares, habiendo los productores gastado lo que se ahorraron en guardarropa en efectos de lluvia y otras secuencias destinadas a humedecer tantas pulgadas cuadradas de piel como sea posible. Si los críticos temen porque las nuevas generaciones se entretienen fácilmente con violencia gratuita y sexo promiscuo, me parece que es temor desperdiciado: mejor asustarnos cuando nuestros líderes espirituales se entretienen con lo segundo, y nuestras agencias de seguridad pública con lo primero. Igualmente, es una excusa, tengo muchas. A la mayoría nos divierte ver violencia y algún que otro pezón. Es naturaleza humana. Como segunda excusa, menciono que si no vemos violencia en el cine y la televisión, la vamos a buscar en las calles. Uh, qué miedo, no? Con certeza, la trama no es nada que muchos escritores envidien, pero nos lleva del punto A al punto C pasando por el B. Caracterización, innecesaria. Alegorías, innecesarias. Entretenimiento, garantizado y bienvenido.

Cualquier película que moleste a un gobierno, brasileño o no, tiene un cierto picante extra. Entre otras cosas, Turistas causó indignación publicitándose con falsas advertencias de peligros en sitios web de viajes. Es una anécdota, no cambia nada.

En fin, deberían pasar 90 minutos en compañía de este film? Sí, si les gusta el género y/o el elenco, lo van a disfrutar. No tiene nada nuevo que ofrecer, pero tampoco va a arruinarles la fe en el cine, y dudo que alguien fuera a usar esos 90 minutos en algo más productivo. Siéntense, relájense, y agarren un pañuelo por si la sangre les salpica la cara.

6/10 J (seis de diez Jorgitos)

Próximamente: What A Girl Wants